最近ではアニメ製作がデジタル化し、コンピュータを使用して効率的にアニメを制作するようになっています。そこで必要とされるのが、アニメ制作のためのソフトですが、有名なのは、「Adobe Photoshop」や、「AdobeAfter Effects」「RETAS!PROシリーズ」などがあります。その中でも、国内で圧倒的なシェアを誇るといわれているのが、株式会社セルシス社製の「RETAS!PROシリーズ」です。このソフトは当初約１６０万円もしましたが、現在は３万６７５０円（2009年1月、税込み）という値段まで下がってきました。

アニメ業界において「RETAS!PRO」が定着するきっかけとなったのは、大手の東映アニメーションが、「RETAS!PRO」を全面採用したのが大きいとされています。アニメ業界は元請け、下請けという形で、多くのプロジェクトが動いているのが一般的で、元請けが、「RETAS!PR」を導入し、ワークフローを組み上げてしまうと下請けも同じ環境を整えなければ、スムーズに仕事を分業化することができません。したがって、東映アニメーションが「RETAS!PRO」を導入することで、必然的に他のアニメプロダクションにも普及していくことになったようです。

また、「RETA!PROシリーズ」のパッケージは、すべてが英語表記になっており、インターフェイスも日本語版と英語版とが用意されています。これは日本だけではなく、世界規模でこのソフトウェアが採用されていることを示しています。というのは、「元請け」「下請け」という分業のシステムが、今や国境を越えてワールドワイドに広がっているのです。特に韓国や中国は、動画部分のカットや彩色という作業の下請け先として圧倒的なシェアを保っているのです。

「RETAS!PRO」は、アニメワークの各セクションの制作手法をそのままモジュール化したパッケージとしてリリースされています。たとえば、原動画を取り込んでそれをトレスするための「TraceMan」や、彩色するための「PaintMan」という具合です。個々のアプリケーションはそれぞれの専門分野に特化した設計になっています。それでは、「RETAS!PROシリーズ」を構成している各ツールを紹介しましょう。

①　動画の取り込みに特化したスキャニングソフト：「TraceMan」

最近では、「STYLOS」というペンタブレットを使うことで最初からパソコン上に動画を描くことのできるツールもありますが、現状はまだまだ手書きで、動画が描かれることが多いので、その手書きで描かれた動画をデジタルデータに置き換えなければ、デジタルワークは始まりません。そこで紙に書かれた大量の動画を高速にスキャンし、それをトレスすることに特化したツールが「TraceMan」です。

高速スキャンされた動画は、しっかりとトレスされていきます。トレスの精度が低いと、彩色を行なう際にうまく選択範囲がとれなかったりするので、ここは大事なポイントです。「TraceMan」では紙の部分と輪郭線の部分を白と黒に分ける「2値トレース」により、これらの問題を解決しています。また、トレス線は「主線」の他に、「色トレス線」を６色まで、それぞれの要素に分けて管理することができます。これにより、後工程の「彩色」の作業効率を高めることができます。

②　大量の彩色作業を高速にこなすペイントソフト：「PaintMan」

トレスが終わったら彩色に入りますが、デジタルワークの中でももっとも早くから業界に受け入れられたのがこのペイントワーク部分だと言われています。「PaintMan」は従来の手法よりも遥かに早いスピードと正確さで、作業をこなすことができます。アナログ時代には絵の具の乾燥時間も考慮しなければなりませんでしたが、「PaintMan」ではその心配もなく、その結果10倍以上のスピードアップを達成しているとのことです。

また、「PaintMan」には、主線保護機能というのがついていて、例えどのように乱暴な作業をしたとしても、線画の「主線」は消えずに常に保護されます。この主線保護機能がないと、境界部分には、常に細心の注意を払って塗らなくてはならなくなり、それでは作業効率が著しく低下してしまいます。

セル画で映像が作られていたときは、セルに色を塗ってしまったら変更することができず、途中で色指示を変更するというようなことはできませんでした。しかし、「PaintMan」では、彩色作業の途中や後でキャラクターの肌色を調節したり、部分的な指定カラーを変更するというようなことも可能で、彩色の作業効率を飛躍的に向上させています。

③　合成・カメラワークを行なう撮影台ソフト：「CoreRETAS」

「CoreRETAS」は、従来のアニメ制作現場で行われていた、撮影台に動画や背景のセル画を重ねて吊りカメラで１カットずつ撮影していく手法を再現したソフトです。登場人物や背景をレイヤーに配置し、必要に応じて移動やパンやズームなどのカメラワークを織り交ぜながら、撮影作業をしていきます。

アニメーションスタジオによっては、「After Effects」というエフェクト効果を得意とするソフトを併用しながら、この撮影の作業をやっているところもあるようです。

「CoreRETAS」で採用されているタイムシートは縦型のもので、従来のアニメワークの伝統をそのまま継承した設計になっています。タイムシートの左から「カメラレイヤー」、「背景」、「セル」…という構成になっており、右側のほうが上位レイヤーという作りになっています。この撮影台を再現した仮想的なステージで、背景や各セルを自由に動かしながら、カメラワークを決めたり、さまざまなモーションの中割りを設定したりすることができます。また、背景をぼかすなどの被写界深度の設定もここで行なえ、「遠景」「中景」「近景」を設定して、各景の速度を変えることによってアニメーション独特の奥行き感を表現することもできます。

④　動画用紙を使わない作画ソフト：「STYLOS」

アニメ制作の手法は大きく分けて、「セルアニメ」と「デジタルアニメ」の2つに分けられます。それぞれの手法の概要についてまとめてみました。

【セルアニメ】

セルアニメとは、「セルアニメーション」の略称であり、透明なセルロイドに絵の輪郭を描き、裏面から不透明な絵具で彩色してセル画をつくり、レイヤー的に重ねながら、コマ撮り用のカメラが吊された撮影台で１コマ１コマ撮影して映像にする伝統的な手法のことを言います。

かつては多くの劇場アニメーションやテレビアニメで使われた手法で、アニメといえばセルアニメを想像する人も多いのではないでしょうか。セルにパーツ化されたオブジェクトを配置し、製作仕様を統一することで、原画、動画、背景、撮影等、各パートでの同時共同作業が可能で、製作期間の短縮、コストダウン、そして大量生産が可能となり、商業アニメの大半はこの方式で作られるようになりました。アニメーションの制作技法として一時代を築いた伝統的手法のひとつといえます。

実際には、セルロイドは燃えやすいため、後にはアセテートが使われるようになりましたが、現場では伝統的に「セル」と呼び続けました。また、パソコンによるデジタルアニメが主流になった現代においても制作工程にこの用語が用いられています。

このセルアニメの技術を世界で最初に取り入れたのは、アメリカのジョン・ランドルフ・ブレイと言われ、それは1914年のことでした。ブレイは背景をセル画に描きキャラクターを紙のシートに描きました。さらに同年12月には同じくアメリカのアール・ハードが、後に一般的になった動く絵をセルに描き、動かない背景画などを紙に描く技法を考案しました。ちなみに、セルアニメの特許は、アール・ハードが取っています。

日本ではセルロイドが高価なこともあって、セルアニメの導入が遅れました。日本初のセルアニメは、1927年に大藤信郎が製作した影絵アニメ「鯨」の一部で使ったものだとされています。

セルアニメは、紙に描かれた絵をセルにトレスする方法で製作しますが、当初は手作業で行われました。それがやがて、トレスマシンに移行し、人件費削減の効果と、原画のタッチが失われないという効果がありました。トレスされたセルは裏返して、アニメカラーと呼ばれる専用塗料で色が塗られました。

セルロイドは大変高価だったので、使用済みのセルは、洗っての再利用されることもありました。しかし洗うことでセルには無数の傷が付いたり、薬品のためにシワが出来るため、再利用は3回くらいが限度だったといいます。その後、セルの価格が下がり、手間のかかる「セル洗い」は行われなくなっていきます。

ところで、この使用済みセルは制作会社で保管、あるいは焼却・廃棄処分されていました、1970年代末から起こったアニメブーム以降、キャラクターを描いた使用済みセル画の価値がアニメファンに認識され、専門店で販売されたり、ファンイベントの記念品などに提供されたりするようになりました。

しかし、透明とは言えセルを重ねることにより発生する色の変化や、ニュートンリングなどによる光学的な変化や、ゴミなどの物理的な問題、撮影前後のフィルムの取り扱いなど色々と問題が有りました。多くのアニメスタジオでは1997年ころからデジタルアニメに移行し、2009年現在でも日本でセル画を使っているテレビアニメは『サザエさん』だけだそうです。

ただ、アニメがデジタルワークに移行しているといっても、すべての作業がデジタル化されたというこではなく、制作の入り口である大切な「原画」や「動画」部分では、今もなお「紙と鉛筆」が主流であり、非常に多くのアニメーターやスタッフたちの分業化によって制作が繰り広げられています。

【デジタルアニメ】

アニメ作品の制作工程は、制作会社の規模や作品に投入される各部門のスタッフ数、あるいは技術の差により、多少の違いがありますが、基本的には3つの作業工程に別れています。

1.　プリプロダクション

プリプロダクションとは、企画や設定、絵コンテなど、実際の制作に入る前段階の準備的な作業を言います。企画書をもとに、スタッフ編成と制作のフローを確定し、脚本・設定・絵コンテなど制作に必要な各種設定などを行ないます。

1.企画

企画とは、作品の全体像、企画意図、セールスポイント等を明確にしていく作業です。企画会議を開き、雑誌掲載中の漫画、小説、オリジナルもの等、どんな傾向の作品がヒットするか、意見、アイディアを出し合い、作品の内容、目的、効果などについて考えます。そして、これから製作に携わるすべての人々に理解してもらえるように「企画書」にまとめ、テレビ局や映画配給会社、制作費を受け持つスポンサーとなる会社に提出します。

企画書は、プロデューサーが書くこともありますが、改めてプロジェクトチームを編成し、更にアイディア、意見を出し合い、書くこともあります。たま、同じ企画内容であっても、説得の対象の違いなどによって何度も作成されることがあります。そして、できあがった企画書は、その後の作品作りにおいて、スタッフたちの創作の原点となります。企画書は、配信する側が採否を決定することになります。

2.スタッフ編成とワークフローの確定

スタッフには、監督をはじめ、シリーズ構成、脚本家、声優、アニメーター、作画監督、美術監督、色彩設定・撮影監督、音楽・音響監督、プロデューサー、キャラクターデザイン、メカデザインなど、様々なスタッフがいます。この選定をします。そして、選定されたスタッフがどのように作業を進めるか、ワークフローを確定していきます。

映像制作にあたっては、演出意図や、予算、制作機材の制限、納期、納品形態など、それぞれ固有の仕様がありますので、ワークフローはそれぞれの制作仕様に沿って、作業が円滑に流れるようには設計されなければなりません。

また、アニメーション制作は分業で進められていきますので、それぞれの作業の各工程において、役割分担が明確にし、各工程において予想される作業量に応じて人数編成が決められ、次の工程との間でどのような仕様の素材を受け渡しすれば良いかがきちんとわかるようにします。スタッフ編成とワークフローが決まれば、実際の制作スケジュールを決めることができます。

3.脚本（シナリオ・本読み）

プロデューサー、ディレクター、シナリオライター、場合によっては美術デザイナーやキャラクターデザイナーも出席して、作品のスタイルやポイント、全体のストーリー展開の確認をするための会議を開きます。この会議ではプロデューサーから作品の企画主旨が説明され、ディレクターからは演出イメージが披露されます。

その後、シナリオライターは企画書に基づいて、作家の意思するテーマを映像的構成法を駆使して、キャラクターの動きや舞台、セリフをシーンごとに区切り創作していきます。これが作品の設計図となります。テレビシリーズの脚本には複数の脚本家が参加します。第1話は、全体のシリーズを方向づけ注目されますので、チーフライターが起用されることが多いようです。

4.設定

テレビアニメの制作は、大勢の分業によって進められていきます。そこで作品がばらばらにならないように、統一された登場人物の表情、衣装、舞台となる場所などを設定し、「キャラクター表」「色指定」「美術設定」を作ります。

・キャラクター設定

企画書に基づいて、登場するキャラクターの試作をチーフアニメーターかキャラクターデザイナーがデザインし、各キャラクターの個性や生命感を大切にしながらキャラクタースタイルを確立していきます。原作のある場合でも、アニメ化しやすい絵に書き直す場合もあります。出来上がったキャラクター表は、コピーして各アニメーターに配布します。それを見本に各アニメーターはキャラクター練習に励み、どの話数であっても、誰が描いても、キャラクターに統一性を持たせるようにします。

・色指定

各キャラクターの色指定は、プロデューサー、ディレクターなどのメインスタッフが集まり、議論を経て、美術監督が決定します。その際、役割、性格などを表現できるように数パターンの色指定を行います。かつては、カラーチャートが使用されましたが、彩色の工程がデジタル化された現在は、色のデーターを元に、指定されたとおり塗っていきます。

・美術設定

美術設定では、企画書に基づき、美術監督がキャラクターの活躍する舞台を絵描き、『美術ボード』イメージの統一をはかります。

まず、脚本の中から、重要なシーンなどを選び出し、ディレクターとイメージの交換をし合いながら、各シーンのイメージをそれぞれ数枚のラフな絵で描きます。そして、時代や場所を設定したり、昼夜などの時間帯を決めたり、細部の設定をしていきます。この美術設定に彩色したものが「美術ボード」と呼ばれ、カラースタイルや、キャラクターと背景のマッチングなどを決める基となります。

・絵コンテ

ディレクターは脚本をもとに、作品の内容の流れをコマ割りの絵で描いていきます。これを絵コンテといい、これを元に原画作業が行われます。

絵コンテはシナリオの文章にあるイメージを具体的な映像のイメージに変えた物で、カットごとにコマ割りの状況説明、内面描写、セリフ、効果音、秒数、カメラワークなどが指示されます。絵コンテは、非常に重要であるため、完全な作品にする為、何度も修正、書き直しが行われるが普通です。

絵コンテができあがると、作画監督、原画マンを中心に主要スタッフが集まり、「作画打合せ」を行います。打合せでは、それぞれの立場から、意見やアイディアを提案してもらい、絵コンテをさらに練り上げていきます。そして、ディレクターからは、伝えたいメッセージやイメージ、キャラクターの演技、特殊効果など作品の全般にわたって具体的な指示を伝えられます。

2.　プロダクション

プロダクションとは、絵を描いたり、色を塗ったりというアニメ製作における中核的な作業を言います。

１.レイアウト

原画マンが、絵コンテを元に、各カットごとのレイアウトを作成します。レイアウト用紙には「大まかな背景」と「キャラクターの動きのポイント」などが、ラフ絵の状態で描き込まれ、この際、背景とキャラクターとの対比やキャラクターの配置や動き、人物の歩幅、速度、さらにはカメラアングルなどを正確に決めておく必要があります。

また、動画とパースの一致に注意を払いながら組み合わせ線も設定します。互いのパースに誤差があると、歩いていく人が地面の下へ潜っていくように見えてしまいます。

2.原画

動きのキーポイントや節目になる状態の絵を原画と言います。チーフアニメーターは、絵コンテやキャラクター設定を基に、セリフや効果音、アクションに合わせながら、一連の動きのうちキーポイントになる部分をデッサンしていきます。

原画マンは、この時、同時にタイムシートを作成します。レイアウトの段階で、キャラクターの動く部分が赤鉛筆で塗りつぶしてあるので、指定された秒数内でキャラクターが演技できるようにタイムシート上でタイミングの設計をし、必要な原画枚数をシートに記入します。

また、原画は単に絵を描くこととタイミングを設計するだけではなく、キャラクターの性格や心情、その場の状況やカットの持つ意味など、映画的なすべての問題を解決しなければなりません。

3.動画

原画のポイントとポイントをつなぐ中間のポーズを描いた絵を動画と呼びます。動画マンは、ラフに描かれた原画の清書作業を行ない、原画の間の絵を描きおこし全ての動きを完成させていきます。中間の絵が原画であれば、それを見ながら、また無ければ自分で想像しながら作成していきます。

動画ができあがったら、パラパラとまず動きを見て、次にナンバーの書き落としがないかをチェックし、その後セリフが合っているかどうかや、線抜けがないかどうかを調べます。

4.色指定

メインキャラクターやサブキャラクター、主要なアイテムなどは、企画がスタートする段階で設定されていますが、途中のエピソードで一回だけ登場するようなキャラクターやアイテムなどは、必要性に応じて随時、色指定されます。

5.仕上げ（色トレス、彩色）

動画マンが描いた動画の線を正確にセルにトレスしたり、色指定に基づいてキャラクターに、裏からアニメカラーという特殊な絵の具を彩色したり、また、特殊効果などを入れたりするなど、セルの画像データを作成する作業を総称して「仕上げ」と言います。

・トレス

トレスとは、セルに原画を写し描く作業のことを言いますが、近年では、スキャナでパソコンに取り込む作業を指すようにもなってきています。ただし、スキャナで取り込んだ動画は線や色が均一ではなく、ゴミも多いので、2値化の処理によって、色をはっきりさせ、汚れを取り除きます。

・彩色

彩色に関しても、セルロイドに手作業で色づけするよりも、ソフトを用いて行うようになってきています。絵の具、セルの管理がいらなかったり、塗り終わったセルを乾かしたりする必要がなく、カットの動きもその場で確認できるなど、デジタル化のメリットが非常に大きいパートでもあります。

・特殊効果

特殊効果は、動画の画像データで彩色以外に質感の表現を加える作業のことを言います。例えば、風、竜巻、砂ぼこり、雲、水の流れ、車のヘッドライトなど、いずれもトレスや平面塗りの彩色では表現できません。エアブラシや筆のタッチを使って画面効果を高めていきます。

6.背景

画マンの描いた背景原図や美術監督が作成した美術ボードを元に、原画で指定された背景設定に合わせて、背景スタッフが背景を作成していきます。この時、背景の兼用が可能なものはないか、アングルを変えて流用できるものはないかなど、背景作画枚数を減らして労働量の軽減を図ることも重要です。

7.セル検査

仕上げ全作業の最終チェックとして、タイムシートを見ながら各カットのセル枚数がそろっているか、撮影に支障が無いように塗り間違いや、汚れ、傷がないかなど総点検を行います。

8.撮影

背景、セル画、タイムシートなどがそろった時点で、撮影フレームの指定、カメラワーク指定のチェック、各素材に不足分がないかなど、撮出しを行います。その後、撮影監督が作業を監督し、タイムシートをもとに背景とセル画を重ね合わせ、多重露光、透過光など複雑な技術を駆使して１コマ１コマ撮影していきます。

3.ポストプロダクション

ポストプロダクションとは、アフレコ・BGM・効果音を加える音作業やVTR編集などの作業を言います。

1.楽曲作成

様々な場面に合わせた楽曲BGMを作成します。テレビシリーズのアニメの音楽製作では、オープニング、エンディングは別途収録しますが、BGM音楽はまとめて収録します。そのとき、人物テーマ、情景描写、喜怒哀楽などの心理描写、アクションなどそれぞれジャンル別に分けて、1本当たり数十曲収録します。これをシリーズが終了するまで選曲して使いまわします。

2.アフレコ

セリフの制作をアフレコと言います。まず、音響制作がシナリオ、絵コンテを基にアフレコ台本を作成します。アフレコ台本には、画面の様子、セリフ、効果音がカット毎にこまかく記載されており、万が一、画がアフレコ時に間に合わなかった場合でも、声優がアフレコ出来るように工夫されています。

次に、アフレコ台本をもとに、撮影された映像に声優が声を収録していきます。その後、ダビングといって、

アフレコにBGMや演出に合わせた効果音を加える作業を行います。

3.編集

編集とはこれらのバラバラになっている映像を、最終脚本に基づいて順序どおりにつないでいく作業を言います。

世界

アニメとは、英語のアニメーションの略ですが、動作や形が少しずつ異なる絵や人形を、ひとこまずつ撮影し、映写した時に画像が連続して動いて見えるようにするもののことを言います。このアニメーションの原点となったものは、19世紀のピーター・マーク・ロジェによる残像の研究まで遡ることができるでしょう。ピーター・マーク・ロジェは、映像は次の映像がやってくるまでの瞬間、眼の中にとどまっていることをつきとめ、1824年に『動体に関する残像』（Persistence of Vision with Regard to Moving Objects）を出版しました。

この本の中で、ロジェは「運動の印象は記憶の中で一つのイメージが消え、その次のイメージが加わるために生じる」と解説しています。つまり、これがアニメーションの原理として知られるようになり、その後、この残像を利用し、動く絵を見せるフェナキスティスコープやゾーイトロープなどの玩具が考案、販売されました。

1892年には、フランスにおいてエミール・レイノーが、テアトルオプティークと呼ばれる動く絵を投影する装置を完成させます。これは帯状のゼラチンフィルムに手書きで別々の人物と背景を描き、プロジェクターで同時にスクリーンに投影する装置で、『哀れなピエロ』（原題：Pauvre Pierrot）を初めとする一連の作品があり、これが最初のアニメーションとされています。

さらに、リュミエールをはじめとした発明家により映画が誕生しますと、ストップモーション撮影を使ったトリック映画が流行するようになります。アメリカのジェイムス・スチュアート・ブラックトン監督は『愉快な百面相』（1906年、原題：Humorous Phases of Funny Faces）で、黒板にチョークで絵を描き、実写と絵のコマ撮りを組み合わせた線画アニメを試みたり、1902年のメリエスの『月世界旅行』では、ロケットが港に戻るシーンで、静止した背景画の前で、船の切り絵を少しずつずらしてコマ撮りするアニメーショントリックが上映されました。その後、アメリカにおいては、1928年からアニメーションの黄金時代が始まります。

実写部分を含まない純粋な短編アニメーション映画ということでは、フランスのエミール・コールによる『ファンタスマゴリー』（1908年、原題:Fantasmagorie）が、世界最初の短編アニメーション映画ということになります。また、世界初の純粋長編アニメーション映画では1917年にアルゼンチンのキリーノ・クリスティアーニによって製作された「使徒」という作品が最初の長編アニメーションになります。この作品は、５万８０００千枚の動画からなる１時間１０分の作品で、当時の大統領を風刺した作品でした。

現代のアニメーションにはセル画は欠かせないものですが、この技術は1914年にアール・ハードによってすでに開発されます。しかし、当時はまだ背景を印刷した紙にペンで描くという、大変な労力をかけて作るのが一般的でした。また、アルゼンチンやドイツなどでは、切り紙や人形アニメなども盛んに作られていました。

アジアにおける最初の長編アニメーション映画は、1941年に中国において万籟鳴と万古蟾の監督による『西遊記 鉄扇公主の巻』とされています。1942年には戦時下の日本に輸出され、当時16歳の手塚治虫に影響を与えると共に、海軍省に長編アニメーション映画『桃太郎海の神兵』（1945年）を制作させる動機となったと言われています。

日本

日本では江戸時代に覗きからくりなどの動きを持つ画を投影・展示する技術がありましたが、日本において最古のアニメとして記録にのこされているものは、大正期のもので、外国から輸入されたアニメーション映画の人気を受けて製作されたと言われています。下川凹天、幸内純一、北山清太郎らが、日本のアニメの創始者として位置付けられています。ただし、明治40年代のものとみられるフィルムが2005年に発見されており、日本のアニメの記録がさらにさかのぼる可能性もあるようです。

アニメの形式としては、1930年前後にセル画が使われ始まるまでは、切り絵によるアニメが主流でありましたが、フランスのエミール・コールの短編アニメに影響を受けて、下川凹天が１９１６年頃、ブラックトンと似た方法を用い製作した作品が、日本で最初の短編アニメーション映画とされています。なお、人形アニメーションは１９３５年に政岡憲三がはじめて試みたとされ、さらに持永只仁が１９４７年に中国の撮影所のスタッフを指導して最初の長編人形アニメーションを製作しています。

日本のアニメ映画の歴史は古く、短編では、反戦アニメ『煙突屋ペロー』（1930年）や、漫画を原作にもつ『のらくろ二等兵』（1935年）があります。第二次世界大戦を迎えると、戦意高揚を目的でアニメが製作され、瀬尾光世監督の『桃太郎の海鷲』（1942年、37分）が日本初の長編アニメーションとして製作されます。さらに、1945年には松竹動画研究所により『桃太郎 海の神兵』（74分）が製作され、当時は、軍部の潤沢な予算があり、それが日本アニメの技術力の向上に繋がったとの評価もあります。

さて戦後になりますと、アニメ専門の会社が誕生します。1956年に「東映」がアニメスタジオ「東映動画」を発足します。「東映動画」は東洋のディズニーを目指し、日本初のカラー長編アニメ映画『白蛇伝』（1958年、79分）を制作し、海外へも輸出します。また、1961年には手塚治虫が「虫プロダクション」を発足させ、日本で最初の本格的連続テレビアニメ『鉄腕アトム』(1963)を製作します。さらに日本初のテレビアニメからの長編アニメ映画『鉄腕アトム　宇宙の勇者』』（1964年、87分）を制作します。ちなみに、テレビで放映された『鉄腕アトム』は白黒映像でしたが、実際のアニメはカラーで製作されていました。

テレビアニメの始まり

日本でテレビ放送が開始されたのは、1953年のことです。最初にテレビでアニメが放映されたのは、番組内の一コーナーとして製作され、一回の放送も数分程度のものでした。また、テレビCMなどにもアニメーションが用いられるようになります。

アニメを主目的にした番組ということでは、1960年1月15日に30分番組として一回放送された『3つのお話』（NHK）とされ、中村メイコのトークに実写を交えて3つの童話をアニメ化しました。しかし、当時アニメーションの製作には大変長い時間と、制作費がかかるというのが当時の常識で、NHKと民放とを問わず『ポパイ』・『恐妻天国（後に『原始家族』として再放映）』・『宇宙家族』などの海外のアニメが主に放送さていました。そのような状況において、1963年、手塚治虫の「虫プロダクション」を製作、日本で最初の本格的連続テレビアニメ「鉄腕アトム」が誕生することになります。

原作者の、アニメの製作が日本でも可能だということを示す必要があると考え、長い製作期間と高い制作費が必要だというこれまでのアニメ製作の常識を覆す試みを行います。そしてそのことが、新しい日本独自のアニメ技術を生み出すきっかけにもなっていきます。

極端に低い制作費で番組制作を請け負った手塚治虫は、その予算でアニメ製作を可能とするため、リミテッド・アニメという手法を用います。リミテッド・アニメとは、キャラクターの体はそのままで目や口だけを動かしたり、画面内の多くのキャラクターのうち、1,2名のみが動いたりするような、いわゆる動きを簡略化しセル画の枚数を減らすアニメーションの表現手法で、旧来のリアルな動作を追求したフル・アニメーションに対し、アメリカのアニメーション制作会社UPAにより導入されたものでした。

リミテッド・アニメは、もともと表現手法の一つとして考案されたものでしたが、やがてハンナ・バーベラなどにより、専ら省力化のために使われるようになっていきます。手塚治虫はこの手法を「鉄腕アトム」にも取り入れることによって、制作費や制作時間を削減していくことを考えました。そして、このリミテッド・アニメの手法は日本においてより洗練され、現在の日本のアニメの発展に大きく寄与していくことになります。

また、低予算での製作を可能にするために、バンク・システムと呼ばれる、フィルムの使いまわしを多く用いたり、静止画を多用するなどの工夫も多く見られました。こうして、日本におけるアニメの低予算化は、「鉄案アトム」を基準に長く続いていくことになります。

しかし興味深いことに、低予算だったため、ベテラン映像作家たちはあまりアニメを製作せず、逆にこれが若いアニメ作家を多く育てていくことになります。経験不足は否めませんでしたが、絵の荒さを補うために、脚本やストーリーを重視し、それがまた日本特有の作家性の高い作品が生まれ、映画のように監督、脚本家、演出家などが視聴者に重要視されるようになっていきました。

また、低予算であるということは、新規参入するアニメスタジオの門戸を広く開けることにもなり、日本のアニメ界は黎明期から数多くのがアニメ会社が設立され、数多くのアニメが製作されていきました。さらにテレビ局も、低予算のわりにアニメは人気があったために、次々とアニメを発注していきました。この相乗効果によって、日本のアニメ文化が大きく成長していくことになります。

玩具やお菓子、文具メーカーなどが、アニメのキャラクターの絵のついた製品の製造権を売るようになると、メーカーは、製品の在庫が払底するまでは、突然にスポンサーを降りるということもなかったので、ある程度長期見通しを持って番組制作を続けられるようになりました。その結果として、これまで一話完結のスタイルが多かったのが、長いストーリー展開がある番組も作られるようになりました。続きもののストーリーをもつアニメのごく初期のものとしては、巨人の星（1966年）などが有名です。

1964年になると、テレビ界における大きな節目の年を迎えます。カラー放送の開始です。カラー放送が始まるまで、当然のことながらテレビアニメはすべて白黒でした。最初のカラーテレビアニメは、「ジャングル大帝」（1965年）でした。カラーは製作費がかかるため、アメリカでの放映を前提に資本が集められたと言われています。この後も数年間は制作費の問題から、カラーアニメと白黒アニメが混在する形で進行していきました。

OVAが登場

1980年代になると、OVAと呼ばれるアニメが登場します。これは、劇場用映画として上映されたり、テレビアニメとして放映されないアニメの総称で、主に、ビデオ（現在はＤＶＤ）ソフトの形で販売される形式をとったアニメです。最初のOVAは、ダロス（1983年）という作品で、元々『魔法のプリンセスミンキーモモ』の後番組のTVシリーズとして企画されていたのですが、同作の放送延長が決まったため一度は立ち消えになったものを、OVAという形で、世界で始めて販売されました。第一巻は１万本が販売されました。その後、続々と新作OVAがリリースされ、現在では日本アニメの柱の1つになっています。

OVAは作品を購入できるある程度収入を持つ独身男性をターゲットにしたものが多く、その結果、アニメは、低年齢・ファミリー向けのテレビ番組と、高年齢層向けのOVAに、二極分化し、もともと子ども向けだったアニメの対象年齢が、1990年代以降、40歳代前後まで広がっていきます。

CGアニメの登場

1996年ごろを境に、カラー化に次ぐ新たな技術革新が起こります。それはコンピューターを駆使したアニメーション、いわゆるコンピューターグラフィックの登場です。コンピューターを使用した最初の連続アニメは、「ビット・ザ・キューピッド」（1996年放映開始）です。作品自体、特に大きな反響をひきおこしたわけではありませんでしたが、世界初の連続CGアニメーション番組であることから、日本のアニメ史において重要な位置を占める作品となっています。

その翌年、東映動画では、アニメの彩色をすべてコンピューター化しました。その結果、使用可能な色数はそれまでの80色程度から一気に1600万色となりました。アニメのコンピューター化は、技術革新のみならず、たとえば、海外の下請けスタジオまで原画を直接ネットワークで送り、完成したデータを再びネットワーク転送で受信するという、国際的分業を可能としました。

アニメ映画

日本のアニメ映画は、すでに記述しました『煙突屋ペロー』（1930年）や、『のらくろ二等兵』（1935年）、『桃太郎の海鷲』（1942年）など、古くからありますが、戦後の長編アニメ映画は、東映動画と虫プロダクションだけの時代が続きますが、製作された数は少なく、東映動画作品は年に1～2本程度、虫プロダクションはそれよりも遅いペースでした。

1970年代に入ると、テレビアニメを単に再編集した作品が多く上映され、熱心なファンは、テレビのシーンが再び劇場の大スクリーンで見られるというだけで、喜んで劇場まで足を運びました。ヒットした作品としては、『宇宙戦艦ヤマト』（1977年）などがあります。

1980年代に入ると、テレビの再編集アニメに加え、『AKIRA』などのテレビアニメ以外のアニメ映画も多く作られるようになります。さらに、東映まんがまつりに代表されるような、テレビアニメでの人気作を数本立てで上映したり、宮崎駿作品が生まれるのもこの時代であります。

2000年代になると、アニメなしでは日本映画は成り立たないとまでいわれるほど、アニメ作品の比重が増加しました。キネマ旬報によると、2002年度の日本映画の興行収入10位までのうち6つがアニメというほどでした。

海外輸出の歴史

日本アニメは、海外においても高い評価を受け、テレビ、映画問わずたくさんの作品が輸出されています。輸出先の過半数は北米ですが、アジア、南米、ヨーロッパなど、全世界で幅広く放映されています。

本格的なアニメの輸出は、1963年、アメリカ合衆国で『鉄腕アトム』が放映されたことに始まりますが、『鉄腕アトム』は30カ国以上で放映されました。これを皮切りに、1970年代までにかけて『ジャングル大帝』、『エイトマン』、『マッハGo Go Go』、『科学忍者隊ガッチャマン』、『宇宙戦艦ヤマト』などがアメリカ合衆国で放映されました。

1989年には、『AKIRA』北米で公開され、日本のアニメは芸術的なものがあるという印象を与え、日本アニメの評価が変化しはじめます。90年代に入ると、『美少女戦士セーラームーン』、『ドラゴンボール』、『遊戯王』などが輸出され、1996年に、『攻殻機動隊』が、アメリカでビデオソフト週間売り上げ1位を記録します。アメリカで日本の映像作品がビデオ販売1位となったのはこれが始めてでのことでした。また、2000年代に入ると、『千と千尋の神隠し』アカデミー賞を受賞するなど、日本国内のみならず、海外からも高い評価をうけました。

ただし、日本の文化とまで言われるようになったアニメ作品ですが、すべての国で最初から受け入れられていたわけではありません。作品によっては、明確な拒否反応を示した国もいくつかありました。その理由の多くは、内容が暴力的であるとか、性的な表現を含むというものでした。国によってはそれらには過敏に反応し、かなり大きな内容の変更が行われた場合もあるようです。

一コマ一コマ動画を描き、それを撮影していくという作業は途方もないことで、アニメ作品が一本完成するまでには、本当に多くの時間と労力が必要とされます。また、単に絵を描くといっても、シナリオを書く人、背景を担当する人、キャラクターを担当する人、また彩色を担当する人、ＢＧＭや特殊効果を担当する人など、多くのスタッフが分業で作品を仕上げていきます。そんなアニメ製作の一端にでも触れることができればと思い、本サイトを書いてみました。

アニメ製作について調べれば、調べるほど、本当に大変な作業だと思わされますが、ここ数年の間に、アニメ業界は劇的な進化を遂げているということもわかってきました。それは、アニメのデジタル化です。この分野においては、これからまだまだ発展する可能性を秘めています。また、かつては１００万円以上したようなアニメ製作ソフトも、今や数万円で手に入るようです。本サイトがアニメに興味のある人の参考になればうれしく思います。